What’s on View

에이징 산스

김도엽

이번 프로젝트는 늙어가는 것에 대한 미학, 관심으로부터 시작한 프로젝트로 자연스레 가족 에이징으로 이어졌습니다. 늙어가는 것은 멋진 것이라는 목표의식을 갖고, 서체를 제작해 보고자 했습니다.

우선 변화 이전의 모습을 보여줄 기준이 필요했습니다. 변화가 분명하게 입력되며 익숙한 활자꼴이 있어야 하기 때문입니다. 그래서 가장 보편적으로 인식되는 서체인 Helvetica를 기준으로 삼았습니다. 누구에게나 익숙한 형태이기에, 그 위에 일어난 변형은 더욱 즉각적으로 드러납니다. 그리고 가장 중요하게 지킨 원칙은 질감을 디지털 필터로 흉내 내지 않고 실제 재료의 물성을 직접 거치는 것이었습니다. 저는 실제 소가죽 원단을 구매해, 알파벳 형태대로 한 글자씩 손으로 잘라냈습니다. 이렇게 만든 가족 글자들을 물과 물로 인위적으로 늙혔습니다. 물론 표면을 긁어 가장자리를 일그러뜨리고, 물에 담가 부풀어 뒤틀리게 했습니다. 충분히 에이징된 글자를 스캔한 뒤, 이를 다듬어 벡터로 변환하고 폰트 파일로 완성했습니다. 그 결과 대문자와 소문자, 숫자, 문장부호를 포함한 총 94자의 글리프가 만들어졌습니다.

작업에서 가장 인상적이었던 부분은, 통제와 우연이 함께 작동했다는 점입니다. 어디를 태우고 얼마나 적실지는 제가 정하지만, 불과 물이 가죽 위에 남기는 무늬는 끝내 예측할 수 없었습니다. 그래서 같은 ‘A’라도 두 번 다시 동일하게 만들어지지 않습니다. 결국 저와 재료, 그리고 시간이 함께 만들어낸 결과입니다. 완성된 Leather Sans는 Helvetica의 구조를 유지하되, 표면은 모두 가죽의 흔적으로 채워져 있습니다. 멀리서 보면 평범한 산세리프이지만, 가까이 다가갈수록 글자가 아니라 하나의 표본처럼 보입니다. 본문용이 아니라 큰 크기에서 질감이 살아나는 디스플레이 전용 서체로, 제목이나 포스터처럼 글자가 주인공이 되는 자리에 적합합니다.

정리하면, 이 작업은 시간과 흔적에 관한 이야기입니다. 낡아가는 것에서 멋을 느꼈던 개인적인 관심에서 출발해, 그 감각을 가장 잘 담아내는 가죽을 거쳐, 늦지 않는 글자를 의도적으로 늙혀 보는 데까지 이어졌습니다. 매끈한 Helvetica가 불과 물의 시간을 통과해 완성된 이 서체는, 불완전함이 결함이 아니라 그 자체로 하나의 멋이 될 수 있음을 글자로 보여주는 작업입니다.

Aging Sans

Doyeob Kim

This project began with my fascination with the aesthetics of aging, which naturally evolved into an exploration of my family's aging process. Guided by the belief that growing old is beautiful, I set out to create a typeface that embodies this idea.

To visualize transformation, I first needed a clear point of reference. Since change can only be recognized against something familiar, I chose Helvetica as the foundation of the project. As one of the world's most widely recognized typefaces, it has familiar forms that make every alteration immediately perceptible.

One principle remained essential throughout the process: rather than simulating texture through digital effects, I wanted the material itself to carry the marks of time. I purchased genuine cowhide leather and carefully hand-cut each letter of the alphabet. These leather letterforms were then intentionally aged using fire and water. I scorched the edges, scratched the surfaces, soaked them in water to warp and swell the material, and let the leather's unpredictable behavior shape each character. After the aging process, every letter was scanned, refined into vector outlines, and ultimately developed into a digital typeface. The completed font contains 94 glyphs, including uppercase and lowercase letters, numerals, and punctuation.

The most compelling aspect of the project was the relationship between control and chance. While I could decide where to burn the leather or how long to soak it, I could never fully predict the patterns that fire and water would leave behind. As a result, no two versions of the letter "A" could ever be identical. Each character was the result of a collaboration among me, the material, and time.

The finished Leather Sans preserves the underlying structure of Helvetica while replacing its clean surfaces with the traces left by aged leather. From a distance, it appears to be an ordinary sans-serif typeface; up close, however, each letter resembles a physical specimen rather than simply a character. Designed as a display typeface rather than a text face, it reveals its richness at larger scales and is intended for titles, posters, and other applications where typography takes center stage.

Ultimately, this project is about time and the traces it leaves behind. What began as a personal appreciation for the beauty of aging developed into an exploration of leather as the most appropriate medium to express that idea, and finally into the deliberate aging of a typeface that resists the passage of time. By allowing Helvetica to pass through fire, water, and time, this project demonstrates that imperfection is not a flaw, but a unique form of beauty in itself.

포스트 디지털 서바이벌 매뉴얼

김세연

기술과 인공지능의 급속한 발전은 우리의 삶을 더욱 빠르고 효율적으로 변화시키고 있다. 그러나 기술이 일상이자 기본값이 된 시대 속에서, 사람들은 오히려 느리고 비효율적이며 물질적인 감각을 다시 찾기 시작한다. 필름 카메라, LP, 인쇄물, 공연과 전시 같은 현장 기반의 경험은 단순한 향수의 대상이 아닌, 디지털 환경에서 점차 희미해진 감각과 실재감을 회복하기 위한 움직임으로 나타난다.

이러한 동시대적 흐름을 ‘Post-Digital’ 시대의 감각적 반작용으로 바라보며, 장소성·현장성·물성을 중심으로 인간이 왜 다시 아날로그적 경험에 끌리게 되는지를 탐구한다. 특히 과거에는 디지털이 새로운 기술이었다면 오늘날에는 오히려 아날로그적 행위가 더 낯설고 급진적인 감각으로 작동한다는 점에 주목한다. 이에 본 작업은 디지털 이후 시대의 새로운 감각 체계와 인간적 경험의 의미를 시각적·물리적 매체를 통해 드러내고자 한다.

Post Digital Survival Manual

Seyeon Kim
The rapid advancement of technology and artificial intelligence continues to make our lives faster and more efficient. Yet, as technology has become both ubiquitous and the default condition of everyday life, people have increasingly sought experiences that are slower, less efficient, and more materially grounded. The renewed interest in film photography, vinyl records, printed matter, live performances, and exhibitions reflects more than simple nostalgia; it represents an attempt to recover the sensory richness and sense of presence that have gradually diminished within digital environments.

This project interprets these contemporary tendencies as a sensory response to the post-digital era, investigating why people are once again drawn to analog experiences through qualities such as place, physical presence, and materiality. While digital technology once embodied novelty and innovation, today analog practices often feel more unfamiliar, radical, and experientially engaging. Against this backdrop, the project seeks to reveal emerging modes of perception and the renewed significance of human experience in the post-digital age through visual and physical media.

김수연

Xiuyan Jin

드러내기

김희서

평소 제미나이를 통해 나의 사주, 특히 오행(五行)의 비율과 상생 관계를 알아가는 것을 즐긴다. 해석을 읽다 보면 나도 모르게 깊이 공감하며 고개를 끄덕이게 되기 때문이다. 나의 오행 중 가장 특징적인 부분은 바로 ‘화(火)’기운이 전혀 없다는 점이다. 사주에서 ‘화’는 자신을 표현하고 외부로 드러내는 성질을 뜻한다. 흥미롭게도 올해는 불의 기운을 두 개나 품은 ‘붉은 말의 해’라고 한다. 내게 부족한 기운이 가득 채워지는 이 특별한 해의 에너지를 이어받아, 역설적으로 나를 드러내는 책을 기획하게 되었다.

이 책은 나를 드러내는 일종의 지침서다. ‘화’가 없어 표현이 서툰 나의 성향을 반영하여, 비율이 불균형한 오행들을 책의 구조 속에 다양한 방식으로 숨겨 두었다.

먼저 내 사주에서 가장 큰 비중을 차지하는 ‘금(金)’은 넘쳐나는 에너지를 시각화하기 위해 지그재그로 접어 보관하는 서적 구조로 표현했다. 반면 ‘수(水)’는 페이지를 다섯 갈래로 갈라놓아, 독자가 의도적인 노력을 기울이지 않으면 텍스트를 읽기 어렵게 만들었다. 비율이 비교적 조화로운 ‘토(土)’와 ‘목(木)’은 별도로 숨기지 않고 자연스럽게 노출했다. 그중 나의 정체성이자 일간(日干)에 해당하는 ‘목(木)’은 컬러를 적극적으로 활용해 강조했다. 마지막으로 아예 존재하지 않는 ‘화(火)’는 가리는 방식으로 그 부재를 드러냈다.

일부 조판 디자인에서는 나의 오행적 한계를 담아냈다. 색을 활용하여 5도 기울인 문단은 행간은 좁고 자간은 넓게 설정하여, 일반적인 본문보다 읽기 불편하게 했다. 또한 비중이 높은 ‘금’과 ‘수’는 차가운 성질을 지니고 있기에 각오행의 상징색으로 차가운 느낌의 색감을 선택했다.

종이의 물성에도 의미를 담았다. 매끈하면서도 뒷면이 은은하게 비치는 재질을 사용해 오행이 혼자 존재할 수 없고 서로 공생한다는 메시지를 시각화했다. 다만 나의 정체성인 ‘목(木)’ 페이지만큼은 비치지 않는 두꺼운 종이를 사용하여 중심을 잡았다. 나를 드러내는 첫 책인 만큼 모든 페이지는 정성을 담아 실제본으로 엮어내었다.

책을 감싸는 북케이스는 아일렛의 위치를 ‘화-수-목-금-토’의 사주 비율에 맞춰 배치했다. 실을 제외한 모든 요소를 흑백으로 통일해, 사전 설명 없이는 관람자가 직관적으로 작품을 유추할 수 없도록 의도했다. 총 5개의 아일렛을 거쳐야만 책을 열 수 있는 인터랙션을 추가함으로써, 타인의 사주와 내면을 들여다보기 위해서는 관람자의 진지한 노력과 시간이 필요하다는 메시지를 전하고자 한다.

107 × 145 mm, 2026

Revealing

Heeseo Kim
I enjoy using Gemini to explore my saju (Korean Four Pillars of Destiny), particularly the balance and relationships of the Five Elements (Wu Xing). As I read the interpretations, I often find myself unexpectedly nodding in agreement, recognizing aspects of my own character. The most distinctive feature of my elemental profile is the complete absence of Fire. In saju, Fire represents the ability to express oneself and project one's presence outward. Interestingly, this year is known as the Year of the Red Horse, a year said to embody an abundance of Fire energy. Inspired by a year that symbolically offers the very element I lack, I set out to create a book that, paradoxically, reveals myself.

This book functions as a personal guide to self-expression. Reflecting my own difficulty in expressing myself due to the absence of Fire, I embedded the imbalanced proportions of my Five Elements throughout the structure of the book in subtle and varied ways.

The element that occupies the greatest proportion in my saju is Metal. To visualize its overwhelming presence, I designed the book with a zigzag folding structure that stores its pages in a compressed form. In contrast, Water is represented by dividing each page into five separate sections, making the text intentionally difficult to read unless the reader actively unfolds and reconstructs it. The relatively balanced elements of Earth and Wood are left openly visible rather than concealed. Among them, Wood—my Day Master, the element that represents my core identity—is emphasized through the use of color. Finally, Fire, the element entirely absent from my chart, is expressed through concealment, allowing its absence itself to become visible.

The typography also embodies the limitations of my elemental composition. Certain passages are set at a five-degree angle and printed in color, with unusually tight leading and expanded letter spacing, making them intentionally more difficult to read than conventional body text. Furthermore, because Metal and Water are regarded as elements with inherently cool characteristics, I selected cool-toned colors based on each element's traditional symbolic palette.

The materiality of the paper also carries symbolic meaning. I chose a smooth, semi-translucent stock that subtly reveals the reverse side of each page, visualizing the idea that no element exists independently but instead coexists in constant relationship with the others. Only the pages representing Wood, my defining element, are printed on an opaque, heavier paper, providing a visual and physical sense of stability and grounding. As this is the first book through which I reveal myself, every page was carefully hand-bound into a physical volume.

The book is housed in a custom slipcase whose eyelets are positioned according to the proportions of my elemental composition in the order of Fire–Water–Wood–Metal–Earth. Except for the thread, every component is rendered in black and white, making it nearly impossible for viewers to intuitively understand the work without prior explanation. To open the book, the viewer must patiently thread through all five eyelets, creating an interaction that suggests a broader idea: understanding another person's destiny—and, more importantly, their inner self—requires genuine attention, effort, and time.
107 × 145 mm, 2026

CLICK.exe

서모설

CLICK.exe는 랜덤 박스와 가챠 시스템에서 영감을 받아 제작한 인터랙티브 웹사이트이다. 본 작품은 사람들이 불확실한 결과와 희박한 가능성에 끌리고, 랜덤 시스템에 반복적으로 참여하게 되는 이유를 탐구한다.

사용자가 웹사이트에 접속하면 시스템이 먼저 하나의 카테고리를 무작위로 배정한다. 이후 사용자는 각 카테고리에 따라 다양한 방식으로 추첨을 진행한다. 사용자는 매번 자신이 원하는 대상을 직접 선택한다고 생각하지만, 실제 결과는 시스템의 확률에 의해 결정된다. 추첨 과정에서는 일반적인 결과뿐만 아니라 예측하기 어려운 랜덤 이벤트도 발생한다.

작품의 시각적 구성은 랜덤 시스템이 가진 기계적이고 게임적인 분위기를 표현하기 위해 레트로 게임과 터미널 UI를 중심으로 설계되었다. 전체 색상은 네 가지 레트로 게임 컬러를 바탕으로 구성했으며, 픽셀 그래픽과 강한 인터랙션 피드백을 통해 불안정한 디지털 시스템에 접속한 듯한 감각을 전달한다.

작품에 포함된 점수, 랭킹, 도감 시스템은 현실의 랜덤 박스와 확률형 시스템이 가치를 만들어내는 방식을 보여주는 장치이다. 희귀한 물건은 실제로 더 유용하지 않더라도 낮은 등장 확률로 인해 특별한 가치를 얻게 된다. 동시에 그것을 획득한 사용자 역시 ‘선택받은 사람’ 또는 ‘운이 좋은 사람’으로 인식된다.

이 프로젝트는 기대하고, 추첨하고, 기뻐하거나 실망한 뒤 다시 시도하는 감정의 순환을 시각화한다. 관객이 작품에 직접 참여하면서 확률, 피드백, 점수와 랭킹이 평범한 대상을 어떻게 계속해서 욕망하게 되는 대상으로 변화시키는지 경험하기를 바란다.

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CLICK.exe

Muxue Xu

CLICK.exe is an interactive website inspired by the mechanics of random boxes and gacha systems. The project investigates why people are drawn to uncertain outcomes and improbable possibilities, and why they repeatedly participate in chance-based systems despite their unpredictability.

When users enter the website, the system first assigns them a category at random. Each category then presents a different method of drawing or selection. Although users may believe they are making deliberate choices, the actual outcome is determined entirely by the system's underlying probabilities. Beyond ordinary results, unexpected random events may also occur during the process, reinforcing the experience's unpredictability.

The visual language of the project draws heavily on retro video games and terminal-based user interfaces to evoke the mechanical, game-like atmosphere of random systems. The color palette is based on four classic retro game colors, while pixel graphics and strong interactive feedback create the sensation of navigating an unstable digital environment.

The scoring, ranking, and collection systems embedded within the project demonstrate how real-world loot boxes and probability-based reward systems construct perceived value. Rare items are not necessarily more useful, yet their low probability of appearing grants them a sense of exclusivity and desirability. Likewise, users who obtain these items are often perceived as "chosen" or simply "lucky."

Ultimately, the project visualizes the emotional cycle of anticipation, chance, excitement, disappointment, and repeated attempts. By actively participating in the work, viewers are invited to experience how probability, feedback, scores, and rankings transform otherwise ordinary objects into things of continual desire.

Launch CLICK.exe site

복기 (福器)

손유키

사람들은 왜 자신의 소망을 물건에 담을까?

행복, 성공, 건강, 풍요와 같은 바람은 눈에 보이지 않지만, 사람들은 오래전부터 그 의미를 특정한 물건에 담아 기원해 왔다. 복주머니, 호리병, 복숭아, 원보와 같은 상징물은 실제로 소원을 이루어 주는 것은 아니지만, 사람들의 기대와 희망, 그리고 축복을 담아 전하는 매개체로 사용되어 왔다.

나는 이러한 물건들에 주목했고, 이를 ‘복기(福器)’라고 정의하였다. 복기는 단순한 장식이나 미신의 대상이 아니라, 사람들이 자신의 바람을 시각화하고 전달하기 위해 만들어낸 문화적 상징이라고 생각했다.

본 작업은 중국 전통문화의 복록수재(福祿壽財)에서 출발한다. 행복을 상징하는 복주머니, 성공을 상징하는 호리병, 건강과 장수를 상징하는 복숭아, 풍요를 상징하는 원보를 선정하여 각각의 형태와 한자를 결합한 그래픽으로 재해석하였다.

또한 복기가 지닌 ‘축복을 전달하는 기능’에 주목하여 봉투 형식으로 디자인하였다. 관람자는 자신이 원하는 축복을 선택하고 봉투를 직접 열어 볼 수 있다. 봉투 안에는 각 복기의 의미와 관련된 설명과 오늘날의 축복 메시지가 담겨 있다. 이는 단순히 정보를 읽는 것이 아니라, 축복을 발견하는 경험을 제공하기 위한 장치이다.

봉투는 전시 이후에도 실제 봉투로 사용할 수 있으며, 상단 부분은 책갈피로 분리해 사용할 수 있도록 구성했다. 이는 축복이 전시 공간 안에서 끝나는 것이 아니라, 관람자의 일상 속에서도 계속 이어지기를 바라는 의도를 담고 있다.

본 작업은 전통적인 복의 상징을 현대적인 그래픽 언어로 재해석하고, 사람들이 소망을 담아왔던 문화적 행위를 새로운 방식으로 경험할 수 있도록 제안한다.

Bokgi (vessels of blessing)

Yuqi Sun

From ancient times, people have sought happiness, success, health, and prosperity—desires that are intangible yet deeply universal. Although these aspirations cannot be seen, they have long been embodied in symbolic objects. Charms such as the fortune pouch, gourd, peach, and yuanbao (traditional Chinese gold ingot) do not literally grant wishes but have served as cultural vessels through which people express hope, blessings, and well-wishes.

I became interested in these symbolic objects and coined the term Bokgi (福器), meaning vessels of blessing. Rather than viewing them as mere decorative objects or superstitious artifacts, I understand them as cultural symbols created to visualize and communicate human aspirations.

This project draws inspiration from the traditional Chinese concept of Fu, Lu, Shou, and Cai (福祿壽財)—the four blessings of happiness, success, longevity, and prosperity. I selected four representative symbols—the fortune pouch for happiness, the gourd for success, the peach for health and longevity, and the yuanbao for prosperity—and reinterpreted each by combining its distinctive form with the corresponding Chinese character to create a new graphic language.

The project also focuses on Bokgi's symbolic function as a medium for conveying blessings. Each piece is designed as an envelope that visitors can personally select and open to receive the blessing they wish. Inside, they discover an explanation of the object's cultural significance, along with a contemporary blessing. Rather than simply presenting information, the envelopes are intended to create the experience of uncovering a blessing.

The envelopes are designed to remain functional beyond the exhibition. They can be reused as actual envelopes, while the upper section can be detached and used as a bookmark. This reflects the intention that the blessing should not end within the exhibition space but continue into the viewer's everyday life.

Ultimately, this project reinterprets traditional symbols of good fortune through a contemporary graphic language and invites audiences to experience, in a new way, the cultural practice of expressing hopes and blessings through symbolic objects.

사시코의 확장

이상헌

사시코를 콜라주의 접착제로서 해석해 다양한 레이어를 연결하는 과정을 두 권의 책에 담았다. 나의 집에 보관되어 있던 인쇄물이나 나의 작업들, 혹은 길에서 가져온 재질들을 배경 재료로 사시코와 함께 엮어, 이 대상들에게 새로운 의미를 부여했다. 이 작업 과정이 고스란히 담긴 아트북과 컨셉과 레이어에 대한 설명이 수록된 스캔북을 디자인했다.

210 x 297 mm, 2026

Expanded Sashiko

Sangheon Lee
This project reinterprets Sashiko as a form of collage adhesive, using stitching to connect multiple layers of materials. Printed matter collected from my home, fragments of my previous works, and materials gathered from the street were assembled and stitched together with Sashiko, transforming these ordinary objects by assigning them new meanings through the act of connection.

The project consists of two complementary books. The first is an art book that documents the making process itself, capturing the layered construction and material experimentation. The second is a scan book that presents scanned images of the completed works alongside explanations of the project's concepts and layered structures. Together, the two books document both the physical process and the conceptual framework of the work.

210 x 297 mm, 2026

편린 속 편린 속 편린

정현욱

관심 있는 것을 탐구해야 하는데, 평상시에 특별히 몰입되거나 애정을 가지게 되는 대상이나 주제가 명확하지 않고 모호하게 느껴졌다. 그 이유를 고민해 보니 해체주의적 시각에서 나온 것 같았다. 인풋과 경험은 끊임없이 쌓이는데, 정작 안착되지 않고 전부 스쳐지나가버리는 것 같은 느낌, 미시적인 것을 금방 잊어버리고 거시적인 분위기나 느낌만을 간직하는 습관이 이에 해당하는 것 같았다. 모든 것은 결국 지나가고, 접하는 것들 중 일부는 안착하지만 또 언젠가는 없어지거나 달라진다.

영상을 좋아해서인 이유도 있지만, 다른 매체보다 영상매체로 표현되어야 더욱 적합할 것 같은 느낌이 있다고 생각했다. 정지 이미지로서나 인터랙션으로 제시되는 비주얼이 아닌, 속절없이 흘러가며 시간적 맥락에서 느껴지는 "영상 맥락 속에서의 질감"에 대해 평상시 관심이 있었던 것 같다. 질감은 보통 물체의 표면이나 고유한 결을 의미하지만, 시간적 흐름으로 프레임 단위로 보여지는 것이 변화하는 영상 매체 속에서 시간 맥락상으로도 느껴지는 에너지감에 "질감"이라는 형용사를 사용하고 싶었다. 단순히 컷 편집에 의한 점멸감 같은 느낌이 아니라, 운동성을 일컫는다고 생각한다. 단순한 혼돈의 나열이 아닌, 이러한 “질감”을 구성하며 속절없이 흘러가는 것들 속의 에너지감이 거친 '강-강-강'의 느낌을 주면서도 그 속의 무의식적인 운동감과 유기적인 밀도의 변화감을 느낄 수 있게끔 만들어보고자 했다. 매치컷, 하이퍼랩스 등의 기법을 주로 활용했다. 구글 어스 스튜디오를 활용해 컷 2개를 삽입했고, 나머지 모든 장면은 모두 직접 촬영하거나 직접 만든 작품들의 사진을 활용했다.

아웃트로 장면에서는 컷들이 재빠르게 전환되다가 심화되며 점멸하고, 점멸이 약해지면서 사람이 앞을 바라보는 모습이 나타난다. 무자비하게 흘러가는 생각의 흐름, 혹은 인식, 또는 상황이 어느 순간에는 자연스럽게 뚝 끊기듯이 잠잠해지는 경험을 표현해보고자 함도 있고, 또는 포화가 되어 지쳐서 결국 수많은 파편들의 총체조차 하나의 편린으로 취급되어버리는 모습, 또는 겉으로는 멀쩡해보이지만 여전히 잔향처럼 이면에 계속 존재하는 일련의 상실과 새로움의 폭력성을 표현해보고싶었다. 제목이 《편린 속 편린 속 편린》인 이유는 이와 관련이 있다. 우리는 일상에서 많은 요소를 아우르는 카테고리를 상정하곤 하지만, 그 카테고리마저 한낱 요소로 치부되고, 이는 무한히 반복되고 파생된다. 액자 속의 액자 같은 구조로, 안으로나 밖으로나 얼마든지 확장될 수 있다. 또한 생각도 이 편린에 속한다. 수많은 것들에 대해 생각하거나 의식하지만, 동시에 그것들은 어느 순간 나를 이탈한다. 때로는 이러한 생각을 한다는 생각 또한 심화되어 나를 이탈하고, 이는 무수히 반복될 수 있다.

노래는 인디뮤지션 SORBET의 《Thigh-highs and self loathing》 을 선정했다. 전체적으로 디스토션이 심하고 시끄러우면서도, 최대한 일관된 곡조를 유지하는 곡을 사용하고자 했다.

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Fragments Within Fragments Within Fragments

Hyeonwook Chung

When asked to explore something I was genuinely interested in, I realized that I had no clearly defined subject or object of sustained fascination. The more I reflected on this, the more I felt it stemmed from a deconstructive way of perceiving the world. Experiences and information constantly accumulate, yet they rarely settle. Instead, they seem to pass through me, leaving only traces behind. I tend to forget specific details while retaining only an overall atmosphere or impression. Everything eventually passes away. Some experiences remain for a while, but even those are eventually altered or disappear.

Although my affinity for moving images partly comes from simply enjoying film, I also believe that certain ideas can only be expressed through video. Rather than presenting a fixed image or an interactive visual, I have long been interested in what I call the "texture of moving images." Texture is typically understood as the surface quality or grain of a material, but I wanted to extend the term to describe the energy that emerges from images unfolding through time. This is not merely the flickering effect produced by rapid editing, but a sense of motion—an underlying kinetic force perceived through temporal continuity.

Rather than presenting a chaotic accumulation of fragments, I sought to construct a visual texture in which the relentless flow of images generates both intensity and rhythm. The work conveys an aggressive, almost overwhelming energy while simultaneously revealing subtle shifts in unconscious movement and organic variations in density. To achieve this, I primarily employed techniques such as match cuts and hyperlapse. Two sequences were created using Google Earth Studio, while every other scene consists of footage I personally filmed or photographs of works that I created myself.

In the outro, the cuts accelerate into an increasingly rapid sequence of flashes before gradually slowing, eventually revealing a person quietly gazing ahead. This ending reflects moments when the relentless flow of thoughts, perceptions, or circumstances suddenly comes to an unexpected pause. It also suggests the exhaustion that follows saturation, where even the totality of countless fragments is ultimately reduced to just another fragment. At the same time, it speaks to the lingering violence of loss and renewal—experiences that persist beneath an outward appearance of normalcy, like an afterimage that refuses to disappear.

This is why the work is titled Fragments Within Fragments Within Fragments. We constantly create categories to organize the countless elements that surround us, yet those categories themselves inevitably become just another fragment within a larger structure. This recursive relationship can continue infinitely, like a frame within a frame, expanding endlessly inward and outward. Thoughts themselves belong to these fragments. We become conscious of countless things, yet they eventually slip away from us. Sometimes even the awareness that we are thinking becomes another fragment that escapes our grasp, and this process repeats without end.

The soundtrack features "Thigh-highs and Self Loathing" by the indie musician SORBET. I intentionally selected a piece that is heavily distorted and noisy while maintaining a consistent melodic structure, reinforcing the visual rhythm and emotional intensity of the work.

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The Essence:
겉과 안

조현선

인간은 왜 끊임없이 빛나기를 갈망하는가. 〈The Essence : 겉과 안〉은 두 개의 구 형태 오브제를 통해 연약함 속에서도 빛을 지키는 존재와 화려한 표면 뒤에 본질을 감춘 존재를 대비하며, 인간 내면의 본질과 그 드러남의 방식을 탐구한다.

혼합매체 (스티로폼, 비즈, 실, 천, 아크릴 물감)
200 × 200 × 200 mm, 150 × 150 × 150 mm, 2026

The Essence:
Outer and Inner

Hyun Sun Cho

Why do we continually long to shine? The Essence: Outer and Inner explores human essence and the ways in which it manifests itself through two spherical forms. By contrasting a being that preserves its inner light despite vulnerability with one that conceals its essence behind a polished exterior, the work examines how one's true nature is formed, protected, and ultimately revealed.

Mixed media (Styrofoam, beads, thread, fabric, acrylic paint)
200 × 200 × 200 mm, 150 × 150 × 150 mm, 2026

견출지
부적보기집

최승우

학창 시절, 우리는 견출지에 이름을 써서 물건에 붙이며 "이건 내 거야"라고 선언했다. 견출지는 본래 누군가에게 읽히고, 이름을 불리게 하기 위한 도구였다. 가장 명확하면서도 가장 개인적인 표식이었다. 이 작품은 그것을 뒤집는다. 견출지 위에 글씨를 쓰는 대신, 견출지 자체의 결로 글자를 쌓아 올린다. 견출지는 더 이상 이름을 담는 표면이 아니라, 읽을 수 없는 부적의 몸이 된다. "우리를 읽히게 하고, 이름 불리게 하는" 것이 전부였던 물건이, "읽히지 않음으로써 비로소 지켜지는" 물건으로 다시 만들어진 것이다.

이는 현대인이 마주한 어떤 곤경과 닿아 있다. 우리는 끊임없이 읽혀야 한다고 요구받는다. 라벨이 붙고, 한 문장으로 요약되고, 점수가 매겨지고, "너는 도대체 어떤 사람이니"라는 질문에 수시로 답해야 한다. 이 작품은 학창 시절의 그 도구를 다시 가져와, 읽어낼 수 없는 것으로 만든다. 여덟 장의 부적 위에는 한글이 실제로 어떤 단어들을 이루고 있지만, 그것은 종이의 결 속에 숨어 있어 사적이면서도 알아볼 수 없다. 그리고 바로 누구도 읽어낼 수 없기 때문에, 이 단어들은 거의 비밀에 가까울 만큼 솔직할 수 있다. 지켜지는 방식은 읽히지 않아도 된다는 데 있고, 위로는 바로 그 해석을 거부하는 데서 온다.

부적 종이를 담는 책은 "읽을 수 있음"으로 이 "읽을 수 없는" 사물을 설명한다. 그것을 읽는 것은 이해하기 위함이고, 부적을 떼어내는 것은 느끼기 위함이다. 그리고 한 장씩 떼어낼 때마다, 온전했던 책에는 다시 채워 넣을 수 없는 빈자리가 남는다. 그 위로를 얻으려면, 당신은 온전한 것에서 한 조각을 떼어내야만 한다.

이 프로젝트는 인터랙티브 웹사이트로도 확장된다. 웹사이트에는 이 작품에 사용된 모든 한글 자모가 제공되며, 누구나 이를 조합해 자신만의 부적을 만들고 이미지로 저장해 가져갈 수 있다. 책 속의 여덟 장의 부적은 이미 정해진 단어들을 종이의 결 속에 사적으로 숨겨 두고 있지만, 이곳에서는 단어를 선택하는 사람이 사용자 자신으로 바뀐다. 견출지는 원래 자신의 이름을 적는 곳이었다. 웹사이트는 그 펜을 다시 사용자에게 돌려준다. 당신은 스스로의 단어를 만들어 넣지만, 그것은 여전히 읽어낼 수 없다. 그렇기에 가장 드러내고 싶지 않은 것들조차 안전하게 간직할 수 있다.

Specimen Book of
Label Talismans

Chengyu Chi

During our school years, we wrote our names on adhesive labels and attached them to our belongings, declaring, "This is mine." A label was originally meant to be read by others—to make a name visible and speakable. It was one of the clearest and most personal markers of identity.

This work reverses that function. Instead of writing words on the label, it constructs letters from the label's texture. The label is no longer a surface that carries a name; it becomes the body of an unreadable talisman. An object once designed solely to make us legible and identifiable is transformed into something that protects precisely by refusing to be read.

This transformation reflects a condition of contemporary life. We are constantly expected to be legible—to be labeled, summarized in a sentence, evaluated by scores, and repeatedly asked, "What kind of person are you?" By reclaiming the familiar label from childhood and rendering it unreadable, the work resists this demand. Across the eight talismans, Korean letters do in fact form actual words, yet they are concealed within the paper's grain, making them simultaneously intimate and inaccessible. Because no one can decipher them, these words can remain almost secret in their honesty. Protection comes from not being read; consolation emerges from the refusal of interpretation.

The accompanying book explains this unreadable object through something that can be read. Reading the book is an act of understanding, while peeling away each talisman is an act of feeling. As every sheet is removed, an irreversible absence is left behind—a space that can never be restored. To receive its consolation, one must first remove a fragment from something that was once whole.

The project extends into an interactive website. Every Korean consonant and vowel used in the work is made available online, allowing visitors to compose their own talisman and save it as an image. While the eight talismans in the book conceal predetermined words within the paper's texture, the website shifts authorship to the user. The label was once a place where we wrote our own names; the website returns that pen to its owner. Visitors choose their own words, yet those words remain unreadable. Precisely because they cannot be deciphered, even the thoughts one most wishes to keep hidden can be safely preserved.

열두

티안 마오케

이번 프로젝트는 12지 동물을 바탕으로 한 심볼 굿즈 브랜드 YEOLDU이다. 12지는 누구에게나 익숙한 문화적 소재이지만, 평소에는 주로 운세나 띠, 또는 귀여운 동물 이미지로 소비되는 경우가 많다고 느꼈다. 저는 이 익숙한 소재를 단순한 캐릭터가 아니라, 각 동물이 가진 상징과 감정을 담은 시각적 언어로 다시 해석하고자 했다.

YEOLDU라는 이름은 한국어의 ‘열두’에서 가져온 것으로, 12개의 동물, 12개의 성격, 그리고 12가지의 마음을 담는다는 의미를 가진다. 이 브랜드는 사용자가 자신의 띠를 고르는 것뿐만 아니라, 그날의 기분이나 전하고 싶은 메시지에 따라 하나의 동물 심볼을 선택할 수 있도록 기획되었다. 즉, 12지 동물은 단순한 출생 연도의 상징을 넘어, 개인의 감정과 관계를 연결하는 작은 매개체가 된다.

작업의 중심에는 심볼화가 있다. 동물의 형태를 사실적으로 묘사하기보다는, 각 동물이 가진 특징적인 실루엣과 인상을 간결한 도형과 색으로 정리하고자 했다. 모든 동물은 하나의 시리즈처럼 보이도록 일정한 비율과 구조 안에서 제작되었다. 머리와 몸, 다리의 기본 구조를 통일하면서도, 귀, 뿔, 꼬리, 얼굴형과 같은 요소를 통해 각각의 동물이 구분되도록 했다. 이를 통해 전체적으로는 하나의 브랜드 시스템처럼 보이지만, 동시에 각 동물이 고유한 분위기를 가질 수 있도록 구성했다.

색상은 동물마다 다른 감정을 전달할 수 있도록 설정했다. 강한 원색보다는 부드러운 그라데이션을 사용해 심볼이 너무 딱딱하게 보이지 않고 감성적인 인상을 줄 수 있도록 했다. 그라데이션은 형태 안에서 은은하게 변화하며, 각 동물이 가진 성격과 분위기를 시각적으로 드러내는 역할을 한다. 예를 들어 어떤 동물은 따뜻하고 안정적인 느낌을, 또 어떤 동물은 밝고 경쾌한 느낌을 주도록 색의 방향을 조절했다.

이번 프로젝트에서 가장 중요하게 생각한 것은 ‘통일감’과 ‘개별성’의 균형이었다. 12개의 동물이 모두 같은 브랜드에 속해 있어야 했기 때문에 전체적인 그래픽 규칙은 유지되어야 했다. 그러나 동시에 각 동물이 너무 비슷하게 보이면 십이지의 의미가 약해질 수 있다고 생각했다. 그래서 형태의 기본 원칙은 유지하되, 동물마다 특징적인 부분을 다르게 처리해 시각적 차이를 만들고자 했다.

주요 결과물은 greeting card이다. 카드는 단순히 그래픽을 감상하는 매체가 아니라, 누군가에게 마음을 전달하는 물건이라는 점에서 YEOLDU의 콘셉트와 잘 맞는다고 생각했다. 각 카드에는 동물 심볼과 함께 짧은 메시지를 넣어, 사용자가 특정 동물을 통해 하나의 감정이나 축복을 전달할 수 있도록 했다. 예를 들어 용은 빛나는 도약, 토끼는 부드러운 행운, 개는 따뜻한 마음처럼 각 동물의 이미지와 연결되는 문구를 구성했다.

카드의 내부는 그래픽 페이지와 편지 페이지로 나누어 구성했다. 한쪽 면은 동물 심볼을 활용한 장식적인 화면으로 만들고, 다른 한쪽 면은 직접 글을 쓸 수 있는 공간으로 비워 두었다. 이렇게 함으로써 카드를 열었을 때 단순히 빈 종이가 나타나는 것이 아니라, 브랜드의 시각적 흐름이 안쪽까지 이어지도록 했다. 또한 12개의 카드가 각각 독립적으로 사용할 수 있으면서도, 함께 모였을 때 하나의 컬렉션처럼 보이도록 의도했다.

YEOLDU는 greeting card에서 끝나는 프로젝트가 아니라, 다양한 굿즈로 확장될 수 있는 브랜드를 목표로 한다. 심볼은 포스터, 스티커, 북클릿, 모션 월페이퍼 등 여러 매체에 적용될 수 있도록 단순하고 명확한 구조로 제작되었다. 특히 각 동물의 형태가 복잡하지 않기 때문에 인쇄물뿐만 아니라 디지털 화면에서도 쉽게 인식될 수 있으며, 브랜드의 확장 가능성을 높여준다.

작업을 진행하면서 하나의 그래픽을 만드는 것과 하나의 시스템을 만드는 것은 다르다는 것을 느꼈다. 개별 심볼의 완성도도 중요하지만, 그것들이 모였을 때 어떤 규칙과 분위기를 만들어내는지가 브랜드 디자인에서 매우 중요하다고 생각했다. 이번 프로젝트는 십이지라는 익숙한 소재를 현대적인 그래픽 시스템으로 재구성하고, 이를 실제로 사용할 수 있는 굿즈로 확장해 본 시도이다.

결국 YEOLDU는 십이지 동물을 통해 작은 마음을 전하는 브랜드이다. 누구나 자신의 이야기나 감정에 맞는 동물을 고르고, 그것을 통해 누군가에게 따뜻한 메시지를 보낼 수 있기를 바랐다. 익숙한 전통적 소재를 감성적이고 현대적인 방식으로 다시 바라보는 것이 이번 작품의 핵심이다.

Yeoldu

Maoke Tian

YEOLDU is a symbolic goods brand inspired by the twelve animals of the East Asian zodiac. While the zodiac is a familiar cultural motif, it is often reduced to fortune-telling, birth-year symbolism, or simply cute animal imagery. This project reinterprets these familiar figures not as characters, but as a visual language that expresses the symbolism, emotions, and personalities embodied by each animal.

The name YEOLDU comes from the Korean word yeoldu (열두), meaning "twelve." It represents twelve animals, twelve personalities, and twelve different emotions. Rather than encouraging users to simply choose the animal of their birth year, the brand invites them to select an animal according to their mood or the message they wish to convey. In this way, the zodiac becomes more than a marker of one's birth year—it becomes a medium for expressing emotions and strengthening personal connections.

At the core of the project is the process of abstraction. Instead of depicting each animal realistically, I distilled its most recognizable silhouette and characteristics into simple geometric forms and color. Every symbol was designed within a consistent proportion and structural system so that the twelve animals function as a cohesive visual family. While the overall framework—head, body, and limbs—remains consistent, distinctive features such as ears, horns, tails, and facial shapes give each animal its own identity. This creates a unified brand system while allowing every symbol to retain its individual personality.

Color plays an equally important role in communicating emotion. Rather than relying on saturated primary colors, I used soft gradients to create a more gentle and expressive visual language. The subtle transitions within each form reinforce the personality of each animal: some suggest warmth and stability, while others convey brightness, energy, or playfulness. The gradients soften the geometric forms and add an emotional dimension to the symbols.

Throughout the project, the most important design challenge was finding a balance between consistency and individuality. Since all twelve animals belong to the same brand, they needed to follow a unified graphic system. At the same time, if the symbols became too similar, the unique meanings associated with each zodiac animal would be diminished. By maintaining a consistent structural framework while varying defining features, I sought to create clear visual distinction without sacrificing overall coherence.

The primary outcome of the project is a series of greeting cards. Greeting cards are more than printed objects—they are vehicles for sharing emotions, making them a natural extension of the YEOLDU concept. Each card pairs an animal symbol with a short message that reflects its symbolic qualities, allowing users to express encouragement, affection, or well wishes through a carefully chosen animal. For example, the dragon represents bold new beginnings, the rabbit gentle good fortune, and the dog warmth and loyalty.

Each card is organized into two distinct interior pages. One side features decorative graphics built around the animal symbol, while the opposite side remains blank for a handwritten message. This approach ensures that the brand's visual language continues throughout the entire experience rather than disappearing once the card is opened. Although each greeting card functions independently, the complete set is designed to be experienced as a unified collection.

YEOLDU is envisioned as more than a greeting card series. It is a brand system designed to expand across a wide range of products, including posters, stickers, booklets, and motion wallpapers. Because the symbols are simple, highly recognizable, and structurally consistent, they translate effectively across both print and digital media, providing strong potential for future brand development.

Throughout the design process, I realized that creating a single successful graphic is fundamentally different from building an integrated visual system. While the quality of each individual symbol is important, the relationships among them—the rules, consistency, and atmosphere they collectively establish—are what ultimately define a successful brand. This project explores how the familiar imagery of the twelve zodiac animals can be transformed into a contemporary graphic system and extended into practical, meaningful products.

Ultimately, YEOLDU is a brand that communicates small but meaningful gestures through the twelve zodiac animals. It invites people to choose the symbol that best reflects their emotions or intentions and to share those feelings with others. By reimagining a familiar cultural tradition through a contemporary, emotionally driven visual language, the project offers a new way to connect people through design.

몽여

Mengru Yuan